José Guerrero. Pelegrinaje (1966-1969). Foto 1
 
José Guerrero. Pelegrinaje (1966-1969)
Clausurada el 29 de Septiembre
Museo de Arte Abstracto Español
web: www.march.es/arte/cuenca/
   

José Guerrero

Pelegrinaje (1966-1969)

Casi veinte años después de que José Guerrero abandonara España «persiguiendo la modernidad», en 1966, el pintor regresó con su familia a su país de origen, donde se estableció durante tres años. Dos hechos clave convencieron a Guerrero de la conveniencia de su vuelta: la apertura de la galería de Juana Mordó en Madrid en 1964 y el encuentro con Fernando Zóbel, que inauguraría el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca en 1966 precisamente. Y tres lugares, tres atmósferas, fueron decisivos en estos años: Madrid, Nerja –donde adquirió y rehabilitó un modesto cortijo–, y Cuenca –donde se integró en la comunidad de artistas en torno al museo–. Se trata de un periodo breve pero muy fructífero para él, pues alcanzó entonces una madurez determinante para el resto de su obra. Su retorno puso fin a un ciclo, y dio paso a una época que le sirvió para autoafirmarse y ganar confianza antes de volver a Nueva York, donde imprimió un nuevo giro a su pintura.

Abre la exposición la pintura más significativa de su trayectoria: La brecha de Víznar (1966). La idea inicial de acometer esta obra partió de un viaje por Andalucía que el pintor realizó en 1965 junto a su mujer (quien debía escribir un artículo para la revista Life con motivo del trigésimo aniversario de la muerte de Lorca) y al fotógrafo norteamericano David Lees, cuya misión era ilustrar el artículo de ésta. Recorrieron el sur de España y llegaron al barranco de Víznar, donde fue ejecutado el poeta, y donde el pintor granadino tomó algunos apuntes del natural que le sirvieron para sublimar el escenario del crimen. Lienzo de gran empaste, La brecha de Víznar, con sus dos enormes extensiones atravesadas por un grueso surco, abrió a su autor «una nueva ventana». Resultó un cuadro hondamente dramático y muy sobrio para alguien eminentemente colorista, que renunció a sus tonos propios para abrazar los característicos del informalismo español. Se trata de la obra probablemente más comentada del autor, pero no la única de este período en la que rinde homenaje a García Lorca. Del mismo año es A la muerte de Sánchez Mejías, que remite al Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Y de 1967 es también la carpeta Seis litografías, editada por la galería Juana Mordó y en cuya primera imagen retomaba la composición en “v” y la paleta reducida de La brecha de Víznar. La carpeta está precedida de un pequeño texto de otro poeta, compañero de generación del granadino: Jorge Guillén, que comparaba el viaje a Nueva York del pintor con el de Lorca.

A los primeros títulos españoles desde 1962-1963 (no solo por la lengua empleada, sino también por su evocación del territorio: Albaicín, Sacromonte, Alpujarra, Andalucía aparición), siguieron en estos años bastantes otros paisajes, bien aludidos así, en general (Paisaje, 1967; Paisaje horizontal, 1969), bien como rincones concretos (Burriana, 1968; Cuenca, 1969), y además referencias a la cultura, la historia y la tradición del país según la veía y la recordaba de su infancia (Tanto monta, monta tanto, 1966; La chía II, 1968).

 

El sistema Guerrero

Paisaje (1968) ejemplifica claramente el proceso de ordenación al que Guerrero sometió a su pintura durante esta estancia en España: el pintor abandona la dispersión de sus obras neoyorquinas y la tensión queda contenida dentro de la propia tela. Es este el rasgo característico de los años que estudiamos, en los que se anuncia lo que Juan Manuel Bonet denominó el «sistema Guerrero»: el artista comienza a conceder gran importancia a los bordes, a las fronteras, a las zonas en que unos colores coexisten con otros, y se percata definitivamente de que, más que la acción propiamente dicha, lo que le interesa es «que el color fluya, que la pintura respire, que el cuadro sea como un ring de boxeo, tensado por los cuatro costados, vibrante, luminoso, cargado de energía».

De esa emanación de color y energía da buena cuenta una corta película que Alberto Portera filmó mientras Guerrero pintaba Día festivo (1968). Como ha descrito el propio Portera, aquello «[...] era un divertimento, como ver a un animal que pinta, porque se convertía en animal y ante cada lienzo surgía de él un bicho distinto. Se lanzaba sobre el cuadro, [...] cogía lo que tenía a mano, mezclaba lo que había [...], estaba poseído por una fuerza interna. Y eso es lo que es fantástico, cómo de repente surgía en él esa expresión de potencia interna, de energía, que se manifestaba a través de los colores. Cuando terminó, se sentó, completamente exhausto, despolarizado, vacío». En efecto, esa es la escena que recoge la película. Pero antes de su despliegue, en los primeros compases, mientras se prepara para la acción, también vemos otra cosa: el examen cuidadoso de una serie de obras sobre papel, estudios previos que miraba atentamente, desplegaba y ordenaba ante la cámara.

 

Obra sobre papel y nuevas claves expresivas

El trabajo en papel siempre tuvo importancia para Guerrero, pero en estos años alcanza unas cotas magistrales en su ejecución, que refleja perfectamente la tensión entre el gesto y el dibujo, la mancha y la estructura, esa fértil dialéctica con la que construye sus imágenes y toma el espacio. Los papeles producidos en esta época son más que estudios: son ensayos logrados de ordenación de las formas. De ahí el peso que tienen en la exposición: encauzan la energía desbordada en la etapa anterior, la equilibran en un sabio juego de tensiones y distensiones, alrededor de planos y estructuras cada vez más definidas, que son las que van conduciendo al pintor a las Fosforescencias. Todo ello en armonía con la estabilidad emocional que alcanzó en esta etapa, la pacificación de sus impulsos, como en un teatro psíquico.

El pintor había venido a España desorientado con la situación norteamericana y en busca de sus raíces, esperando encontrar ayuda en ellas. Los años de aislamiento que vivió aquí le supusieron un auténtico respiro. Pero sabía que era temporal; llegado el momento, decidió regresar a Nueva York. A finales de los años sesenta la abstracción postpictórica definida por el crítico Clement Greenberg, el minimalismo, la llegada del arte conceptual y otras tantas expresiones artísticas habían diversificado enormemente el panorama; ya no era cuestión únicamente de enfrentarse al pop art. Guerrero, con su proverbial curiosidad, observó esas nuevas expresiones y, más o menos veladamente, incorporó en su obra las claves que propiciaban el diálogo con su propia voz. Ahora, en 1968, con una obra hecha, como él mismo la definió, Guerrero partió de nuevo rumbo a Nueva York.

Si La brecha de Víznar abre la exposición, en su cierre volvemos a encontrar una referencia a García Lorca en la obra que da título a esta muestra: Pelegrinaje (1969). Realizada ya en Nueva York, pertenece al momento final de este periodo. Remite al poema Los pelegrinitos, y está escrita con “l”, que es la forma vulgar históricamente desplazada por la culta, con “r”. El poeta granadino devolvió a la palabra su pálpito popular para redoblar la expresividad de la copla e iluminar con su característica ternura e inocencia a sus protagonistas. El uso que el pintor hizo del término podría aludir a su propio peregrinar y a los vuelos transoceánicos que, a partir de este retorno, serían cada vez más frecuentes. Pues Guerrero no solo había recobrado la memoria española, sino su presencia en la vida artística del país, en el que a partir de ahora sería él quien representara la modernidad.


José Guerrero. Pelegrinaje (1966-1969). Foto 2
 
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