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Lo que ha de venir ya ha llegado

Lo que ha de venir ya ha llegado es una exposición que trata del momento que estamos viviendo, tiempo en el que un radical malestar atraviesa a la sociedad occidental tras años de la que se califica como la primera gran crisis de la globalización, que hoy afecta fundamentalmente a países del sur de Europa, y muy concretamente a España. Una crisis que ha puesto en primer plano la fragilidad de los estados, la incapacidad de las estructuras gubernamentales internacionales, la ineficacia, falta de diagnóstico y propuestas de los partidos políticos tradicionales para impedir, frenar o reorientar sus consecuencias más allá de exigir el sacrificio de la ciudadanía.

Tras analizar los fundamentos ideológicos y las actuaciones de los poderes políticos y económicos que la han desencadenado, está calando en amplios sectores sociales la idea de que son necesarias profundas transformaciones y que los ciudadanos y ciudadanas deben ser agentes activos de esos cambios.

Pero su concreción y desarrollo demanda un rearme de ideas que nos permitan imaginar las posibles salidas. Desde este punto de partida la exposición Lo que ha de venir ya ha llegado reúne a una serie de artistas y colectivos de diferentes ámbitos cuyas obras y actividad reflexionan o señalan posibles caminos para la constitución de estructuras sociales, habitats urbanos, fórmulas económicas y modos de organización de las colectividades distintas de las que imperan hoy.

La exposición se articula a través de tres capítulos estrechamente conectados entre sí. El primero, Reactivar la utopía, aborda la posibilidad de imaginar nuevas utopías u horizontes utópicos frente a la idea de una realidad inamovible delineada por el neoliberalismo y que tiene como consecuencia un adelgazamiento progresivo de la democracia y que pone en peligro los logros sociales y políticos alcanzados tras siglos de lucha.

El segundo, La modernidad, ¿un proyecto inconcluso?,plantea su punto de arranque en aquellas propuestas –algunas de ellas pertenecientes a las décadas de los años 60 y 70 del pasado siglo– que, basadas en la fe en la noción de progreso herederas de la modernidad, idearon diferentes formas de desarrollo y de convivencia para su futuro inmediato –centradas algunas en el urbanismo y la arquitectura–, e indaga sobre su posible vigencia a la hora de buscar nuevos modelos en la configuración de la vida cotidiana y activadores de un desarrollo sostenible.

Por último, en el tercer capítulo, titulado El futuro ya está aquí, se han reunidos trabajos y experiencias que reflejan o proponen estrategias de intervención y colaboración para provocar cambios, a la búsqueda de una democratización de las estructuras, participativa y de nuevo cuño.

Lo que ha de venir ya ha llegado ofrece una perspectiva multidisciplinar y, a través de vídeos, instalaciones, pinturas, dibujos y fotografías de una veintena de artistas y colectivos internacionales, nos remite a una serie de configuraciones –tanto simbólicas como reales– que, a partir de la utopía, tienen como objetivo incidir en el mundo que vivimos.

El interés de Peter Coffin en el tema de las micronaciones se inició el año 2000, cuando puso en marcha su propia nación independiente y comenzó a recoger información sobre otros proyectos similares en todo el mundo: iniciativas individuales o de pequeñas sociedades que han proclamado la creación de estados soberanos independientes, movimientos de secesión o estados-nación, algunos de los cuales se vinculan a idearios que tienen sus raíces en sistemas de pensamiento de corte utópico y que se remontan al siglo XIX e, incluso, antes.

El artista checo Stefanos Tsivopoulos ha creado un gran archivo que recopila informaciones relativas a la moneda y el intercambio, experiencias llevadas a cabo en diferentes países y épocas con el objetivo subvertir el uso del dinero. Se adentra en el repertorio de objetos que se han utilizado como moneda a lo largo de la historia, los sistemas de intercambio que prescinden de la moneda oficial y las maneras en que las comunidades han creado sus propias monedas, independientes de los estados y países, así como las formas en que muchos colectivos  utilizan el intercambio y el trueque imprimiendo en todas esas acciones sus propios significados y objetivos.

En su trabajo Anna Moreno analiza la relación del arte con la política, el activismo, la democracia y los derechos civiles o el papel de las prácticas artísticas como instrumento de cambio social. Su vídeoinstalación muestra una obra teatral, cuya trama gira en torno a 5 personajes –todos ellos artistas que representan diferentes posturas– que, ante las inundaciones sufridas en su ciudad, rescatan una serie de objetos y se refugian en la última planta de un museo de arte contemporáneo. Sus actitudes hablan de la renuncia a asumir compromisos sociales y políticos; una pasividad que Moreno hace extensiva al conjunto del mundo del arte, y subraya el economicismo aplicado a la cultura, así como la naturaleza precaria del trabajo artístico. A la vez, cuestiona la institución museo como “puerto seguro” para el artista y señala su habitual desconexión del mundo real y sus problemas.

Los artistas Tellervo Kalleinen & Oliver Kochta-Kalleinen, en el vídeo The making of utopia, analizan cuatro comunidades existentes en Australia, cuya filosofía combina características de las comunas hippies de la vieja escuela con nuevos modelos de ecoaldeas autosostenibles. A pequeña escala, muestran la viabilidad de formas de democracia basada en el consenso participativo y su éxito, no exento de dificultades, en el desarrollo de formas alternativas de existencia al margen del sistema.

El vídeo del finlandés Mika Taanila se centra en un modelo de casa que fue diseñado en los años 50, de aspecto futurista y rompedor, económico y de sencilla construcción, que encarnaba el espíritu de progreso, bienestar a bajo coste y fe en el futuro que caracterizó aquellos años. Muy pocas de estas casas llegaron a producirse, pero a pesar de su fracaso comercial han pasado a la historia del diseño como ejemplo exitoso de una utopía que se llevó a cabo.

El director de cine Alain Tanner, en el documental  Une ville à Chandigarh, narra las peripecias de la edificación por Le Corbusier de la que habría de ser nueva capital de la provincia del Punjab, en India. Tanner construye, con sus imágenes y los comentarios del escritor John Berger, un incisivo ensayo sobre cómo la planificación de una ciudad puede contribuir al progreso cultural y socio-económico de sus habitantes. Hoy Chandigarh es una de las ciudades con mayor índice de alfabetización de la India.

Por su parte las fotografías manipuladas de Dionisio González reconstruyen digitalmente algunos de los edificios que Le Corbusier no pudo llevar a cabo en Chandigarh, con la intención de rescatar del olvido unos proyectos que aspiraban a generar otros modelos de convivencia.

A través de su pintura David Diao se apropia de espacios creados por arquitectos que encarnaron las utopías racionalistas, caso de Philip Johson entre otros, para componer una serie de cartografías sobre la modernidad donde señala sus contradicciones y la fragilidad de buena parte de sus certezas.

El veterano arquitecto rumano Yona Friedman ha desarrollado un importante corpus teórico  que propone un tipo de ciudades que no se definen por sus usos sino por sus posibilidades colectivas, y que se opone frontalmente a las maniobras de especulación del suelo, al deterioro de los servicios públicos o a la desaparición de los derechos ciudadanos frente a los beneficios económicos de las élites.

Del equipo de arquitectos Druot, Lacaton & Vassal se muestra una de sus obras recientes llevadas a cabo en París, donde una serie de edificios de  viviendas en mal estado iban a ser demolidas, su intervención demostró que con una inversión mucho menor podían ser trasformadas; su proyecto se ha convertido en un modelo paradigmático de rehabilitación y sostenibilidad.

The Temple Crew es un colectivo en el que llegan a colaborar cientos de personas desde el año 2000 y que está liderado por el escultor norteamericano David West (California, 1945). Su trabajo se centra en la realización de instalaciones y estructuras de arte público, casi siempre de carácter efímero, que buscan crear lugares para la reflexión, la celebración o la memoria, con el objetivo de fomentar un espíritu de comunidad y de armonía.  Entre sus obras más destacadas se encuentran los templos construidos para el festival Burning Man. Este encuentro, que tiene lugar en el desierto de Black Rock  (Nevada, EE.UU.), se celebra anualmente en la primera semana de septiembre y llega a concentrar a más de 50.000 personas que, desde 1990, levantan la ciudad de Black Rock City.  Esta ciudad se ha hecho famosa por su alto nivel de organización y porque cada año desaparece para renacer al año siguiente. Una de las premisas de esta iniciativa autogestionaria es su alto compromiso ecológico, mediante el uso de energías renovables, que evita causar impactos negativos en el medio ambiente.

En la obra Conocimiento común Sarah Browne ha reunido una serie de plantas y flores que han sido prensadas entre páginas de libros, un acto que muchas personas han realizado alguna vez por razones sentimentales. Para Brown el interés radica en aquellos libros donde estas plantas han sido guardadas: textos que abordan desde oficios tradicionalmente femeninos, a textos sobre pensamiento utópico, relaciones laborales o políticas, que representan un índice de intereses, tanto intelectuales como personales. Estudios utópicos muestra un archivo de imágenes relacionadas con una microcomunidad académica cuyos integrantes se han unido en torno al estudio y la práctica de la utopía.

En esta película, la cineasta chilena afincada en España Cecilia Barriga, documenta tres escenarios en los que estalló el descontento ciudadano: Madrid, mayo de 2011, durante las protestas bautizadas como el 15M; Nueva York, los días en que se desarrolló Occupy Wall Street, y Santiago de Chile, donde el movimiento Toma el Colegio, integrado por estudiantes de enseñanzas medias, ocupó durante siete meses de 2012 diferentes centros. Para unos estos “instantes” sólo han representado una efervescencia momentánea, una breve explosión de rebeldía, difícil de concretar en transformaciones efectivas; para otros muchos sin embargo supone la generación de un tejido capaz de impulsar microcambios que erosionen, de forma positiva, el sistema. La intención de Cecilia Barriga es la de captar, y mostrar, los procesos de autoorganización y cooperación que los individuos son capaces de desarrollar,  y las enseñanzas y experiencias que permiten acumular.

Archivo 15-M. Para algunos el 15-M supuso un estallido puntual, sin embargo se convirtió en un movimiento de base asamblearia, altamente sofisticado en su organización, en el cual han jugado un papel determinante Internet y las redes sociales. Los colectivos, plataformas y grupos vinculados al 15-M constituyen hoy un tejido presente en prácticamente todos los sectores y de forma activa no solo articulan protestas (enseñanza, sanidad, ecología, desahucios, etc.) sino que llevan a cabo políticas propositivas. Se muestran aquí materiales utilizados por el 15-M (pertenecientes a su extenso archivo) como carteles, banderolas, textos, dibujos, que dan cuenta del amplio repertorio de reivindicaciones y de las luchas que han llevado, y llevan, a cabo.

La rumana Mona Vatamanu y el suizo Florin Tudor trabajan juntos desde el año 2000 en una multitud de trabajos multimedia, events y vídeos que analizan el legado traumático del comunismo en los países de la Europa del Este, especialmente en la propia Rumanía posterior a Ceaucescu, fijándose muchas veces en los restos que perviven de los distintos regímenes sometidos a la Unión Soviética. El origen de Appointment with History  (Cita con la historia) está en una manifestación anticapitalista que vieron en Basilea y que les recordó en sus símbolos, insignias y banderas, a las que tenían lugar en la Rumanía socialista. Desde ahí iniciaron la búsqueda de nuevos símbolos y significados para las antiguas utopías mediante imágenes que unen ideologías diferentes en distintos momentos de la historia de los países. Sus pequeños cuadros recogen tanto contestación de las masacres de la guerra civil en Siria, como las manifestaciones de los indignados en la Plaza Mayor de Madrid o la llegada de inmigrantes africanos a la isla de Lampedusa.

La instalación del equipo de artistas formado por vasca y holandés Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum –integrada por vídeos, objetos, fotografías y documentos– se centra en el trabajo desde una perspectiva sociológica que parte de una experiencia autobiográfica; abordan una reflexión en torno a la producción, a la desaparición de las industrias manufactureras locales, y los efectos de la globalización, tomando como referente al abuelo artesano del propio van Gorkun y su legado.

La obra de Carolina Caycedo guarda una estrecha relación con su vida y experiencias, así como con su condición de perpetua nómada o, como ella misma prefiere, “inmigrante” por distintos países del mundo. Su práctica es una respuesta a los condicionantes y restricciones que el capitalismo impone a inmensas capas de la población mundial y concibe la acción artística como dinámica trasformadora de la relación entre individuos y comunidades. Day to day  fue un proyecto de subsistencia personal desarrollado entre 2002 y 2009 -en ciudades como Viena, Nueva York, Berlín, Los Ángeles o Londres-, donde limitaba su actividad laboral al uso exclusivo del “trueque” de servicios tanto por cosas imprescindibles para la existencia como también objetos o bienes “innecesarios”. Con motivo de esta exposición ofrece el trueque de una publicación suya por un libro que el visitante que lo desee puede dejar a cambio.

El proyecto realizado por Ecosistema urbano para la Fundación Reggio Children Centro Loris Malaguzzi, un laboratorio de pedagogías experimentales, plantea un diseño de espacios flexibles y transformables, donde los alumnos son protagonistas ya que su participación determina el funcionamiento global. Su diseño bioclimático minimizar el consumo de energía y su impacto ambiental e implica a los alumnos asumiendo un papel educativo.

El equipo Zemos98 investiga, programa y produce contenidos relacionados con la educación, la comunicación y la creación visual. Su propuesta plantea el compromiso de los artistas con una cultura libre y universal es uno de los primeros pasos para flexibilizar todo un sistema de enrevesadas jerarquías que gobiernan el mundo del arte y en el que se hace preciso defender la creatividad, compartiéndola. Así el trabajo colectivo, como elemento fundamental de una nueva concepción de la producción, de una revisada noción de autor, de un concepto flexible de la subjetividad y de una red intelectualmente activa, cuestiona la lógica individualista promovida por la sociedad actual.

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